刘旭简历

 

　　刘旭，1973年生于北京。北京画院专业画家，国家一级美术师，中国美术家协会会员，中国工笔画学会会员，吴昌硕艺术研究会会员。

 

我怎么创作《雨歇幽山积翠来》

 

刘旭 雨歇幽山积翠来 2017年

145cm×55cm 纸本设色

 

《雨歇幽山积翠来》局部

 

　　作品的材料是民国老绢，这个绢在用笔上可以很收敛地表现细节，在水墨运用上也可以有生宣纸晕染的效果，所以我就利用这两种特点进行创作。作品还是传统的三远法构图，近景的竹子双钩填色，松树也是细笔表达，远景突出云雾的虚无缥缈，山势峰回路转，以虚实对比表现意境。我追求画面远观其势、近观其质的效果，想表达出那一份安静的气息，使观者有所共鸣，产生如入深山般的感觉，可居，可游。

 

《雨歇幽山积翠来》画稿

 

由《雨歇幽山积翠来》延伸出的话题

 

画画是我的“生活方式”

 

　　画画是我的“生活方式”，是我生活的一部分，不是简单的职业，不是朝九晚五8小时之内的事情。

 

　　喜欢画画是每一个小孩的天性。记得小学二年级时，班里同学都在画儿童画的时候，我临摹了一张舅舅画的传统山水画，得到了老师的表扬，然后在老师推荐下去当时的中国画研究院学习。在中国画研究院跟老先生们学习最基础的小鸡啊、虾啊等中国传统水墨。之后随 着年龄的增长，对传统绘画产生浓厚的兴趣，比如明代绘画。明代承袭宋代宫廷绘画，一批文人画家的画风在严谨细密的同时，多以水墨工写结合、小青绿的面貌开始出现，下笔轻快，清新雅致，如明四家。对明四家的大量临习奠定了我现在画青绿山水的基础。

 

严谨的习惯

 

　　进画院之前，我从事了多年的平面设计工作，养成了严谨的习惯，对色彩的敏感可能对我的青绿山水画创作也有不小的影响。画画之余喜欢收藏老字画、书札、文玩，最喜欢的还是古典家具。当初对古典家具感兴趣，还是早年大量临习明四家的作品时，他们的很多作品里面会出现禅榻、香几、画案、书搁等。当时为了搞清楚这些家具的具体形制和准确名称，就研究起家具来，到现在反而形成了割舍不掉的爱好。

 

我的第一口奶是传统绘画的训练

 

　　王明明院长总说第一口奶很重要，我的第一口奶是传统绘画的训练，10岁开始学习齐白石的虾蟹、小鸡，直到十七八岁知道考美院要考素描和色彩，才开始接触这些。除传统绘画外，对其他传统艺术的热爱也逐渐深入骨髓。

 

　　我有一段时间的创作想另辟蹊径，标新立异，其间也走过些弯路，最终还是回到传统艺术上来，有传统经典艺术的不断滋养，我的绘画之路才能走得更远。

 

或互为弥补或相互冲击

 

　　可以说青绿山水产生于皇家，材料昂贵，耗时费力，当时的宫廷画家不惜工本。夸张的色彩、艳丽的装饰感更符合皇家对政治的需要，用来粉饰太平。如今的欣赏受众更为多元化，对青绿山水的审美需求也不仅是富丽堂皇，还可以是清新雅致、活泼轻快。颜色本身没有俗雅，如何搭配、程度多少都会决定画面的气质！我尝以水墨与青绿相结合，希望水墨的生动与偶得、青绿的相对刻板与装饰化或互为弥补或相互冲击，以全新的视觉感受对传统青绿山水做另一种诠释。

 

有规范，有法度

 

　　青绿山水是一个古老的画种，中国画历史上形成这个画种，应该是有规范、有法度的，是区别于“彩墨”“岩彩”等绘画形式的。

 

　　后期水墨意笔的盛行，与青绿山水碰撞出全新的面貌，水墨多“文人画”，这样青绿也变得“文人”起来，这是时代审美的需要，所谓“小青绿”就产生出来，可以说是早期工整青绿山水意笔的表现形式，水墨情趣加色彩的表达，使画者不烦，观者不累。笔墨当随时代，所以小青绿舒缓的情趣、轻松的笔墨，将会更加讨人喜爱。

 

　　水墨和颜色同属于中国传统绘画的绘画语言形式，它们应该没有本质的区别。水墨画可以独立存在，青绿山水是在水墨画的基础之上再施以颜色，所以一张好的青绿山水画是以一幅好的水墨画为基础的。

 

内心向往的一个山水的境界

 

　　青绿山水画起来是需要相对严谨的，每块颜色附着在什么样的一个造型上应该是明确的，正所谓“随类赋彩”。

 

　　我的画面没有表现哪一地貌特点的真实山水，它是我对所见真山真水的一个概括，或者说是一个主观认识，是我内心向往的山水的境界。我不经常拿着画板对着实景写生，更多的是观察和体会，在游历中感悟自然，最终的作品是自己的心性的表达，我觉得一张山水画应该先感动自己，再打动观者，中国画有标准、有方法，尤其是山水画的画理、画论非常多，学习揣摩，方得真味。

 

风格是水到渠成的

 

　　从小学画画都是一个一个磨炼的过程，我觉得这个整体上的学习过程是“渐修”，但是其中有些时间段，可能会有所“顿悟”。临习了大量古人技法后，会在画中反复流露一种面貌，审美疲劳，停滞不前，这时突然感受到自然之中的某一物，再结合前人的总结，一个新的有自己特点的符号就会产生，突破瓶颈就是我理解的“顿悟”。

 

　　这些年心里更安静了，不再考虑一幅画的时间，要把它画充分，力求尽善尽美。进画院之后创作了一批绢本的细笔山水，可能在目前还算是比较满意吧。

 

　　风格不是创造的，风格是水到渠成的，它是真实的画家的心性、习惯、品位、兴趣的艺术表达和情感流露，书法讲字如其人，画画也是画如其人。

 

我喜欢画中国画传统的形式

 

　　中国画不适合画得太大，现在画大点的画也多是某个特定场景的任务或是为了展览。

 

　　我喜欢画中国画传统的形式，比如说手卷、竖幅、册页、扇面等，最不喜欢画斗方。近些年创作了很多圆扇和扇面。圆扇一般也叫宫扇，现在在生活中人们已经不太使用了，作为一个纯观赏的扇子品种，一般在圆扇上用绢本，可以表现得更细腻、精致，观赏性更强。还有就是扇面，纸本为主，利用生宣纸的特点，水墨和青绿结合，

 

　　这样更轻松、活泼，趣味性强。成扇在日常生活中也可以使用。

 

　　手卷是我最喜欢画的一个形式，也非常适合中国山水画的表现，可以移步换景，多种透视空间转换、技法、景致随心所欲，画画时如在山中游。

 

它们应有各自发展的路径

 

　　中国画的学习标准一直就是师古人和师造化。中国画和西方绘画都有一套独立的体系标准。中国人和西方人的思维方式不同，对艺术的理解和审美习惯都不一样。我对西方艺术没有深入的了解，也没有能力对中西绘画做什么妥当的融合，它们应有各自发展的路径。我并不排斥“西”，我可以很愉快地欣赏“西”，但是我更想在“中”的领域里发展“中”。

 

能坚持下去需要勇气与耐心

 

　　传统青绿山水在当下的各种艺术类别中可以说是一个小画种。从艺术院校专门师资的缺失，到对青绿山水认识理解上的偏误，都制约了传统青绿山水画的发展。

 

　　传统青绿山水技法的掌握有一定难度，并不是简单地画一张水墨画加上青绿的颜色就叫青绿山水，我认为青绿山水绘画从墨稿开始就是很严谨的，勾勒清晰，皴法明确，一木一石相对具象，每一笔都是清晰的。但是中国画一旦被认为过于具象，就容易落于俗气，所以对度的把握至关重要。另外，在设色上青绿山水采用矿物色，需要研磨调和，运用起来也很烦琐，需要勇气与耐心，还有正确的方法，才能坚持下去。很多复杂的原因在妨碍这个画种继续前进，社会节奏很快，画青绿山水反而要慢下来。

 

通过“技”才能体会“道”

 

　　“有道有艺”，好的艺术家既有思想，又有技巧，“技”对于艺术家来说还是很重要的，是一个修炼的过程，是思想的载体。看一件艺术作品，首先看到“技”，或者说通过“技”才能体会“道”。随着“技”的成熟，会更好地展现“道”。思想取决于艺术家的修养、兴趣和对艺术的理解。最终由技术层面上升到艺道境界，从“勾皴点染”到“气韵生动”是境界的提升，是由内心自我修行的程度决定的，展现“自然之美”，所谓“艺即是道，道即是艺”。

 

是为自己画的

 

　　其实又回到“不忘初心”，不停地警醒和审视自己，常常回过头看看自己走过的路。从儿时的艺术梦想，到今天能成为一个画家，都是对艺术本真的不断追求。艺术家应该是“自我”的，是为自己画的，是对自己艺术情感的表达。我希望我的作品是流芳百世的，或者是为了这个目标而创作的。