安华平，1968 年生于成都。北京画院画家，中国美术家协会会员，中国工笔画学会会员。出版画册有《白孔雀画法》《安华平工笔画作品集》《实力派精英：安华平专集》《当代工笔画唯美新势力：安华平工笔花鸟画精品集》等。

 

我怎么创作《银羽凌风》

 

安华平 银羽凌风 2017 年 185cm×102cm 绢本设色

 

《银羽凌风》局部

 

　　《银羽凌风》是我在云南写生时构思、归来后创作的。当时，在一场大雨后，洁白的孔雀悠然自得地穿行在雨林，与四周植物的凋零、残败形成鲜明的对比，我顿时想到了中国传统花鸟画中“枯”与“荣”的命题，对“枯”的感悟，生于草木繁盛的南方的我起初很难体会，来到北京多年才渐行渐悟。苏轼曾言：“散木支离得自全，交柯蚴蟉欲相缠。不须更说能鸣雁，要以空中得尽年。”在枯朽中寻找生命的意义。我以墨色粗笔勾勒画面中倒下的树干和杂草，竹石仅着以赭石，将“枯”融于笔下。后重点刻画两只孔雀不染纤尘的圣洁与宁静，以昂首开屏的姿态表现生命的欣欣向荣。或许这样枯荣相伴的情景只是大自然的常态，却让我体会到一种人生之境。正如中国传统哲学思想中的“阴”“阳”，阴阳相生相克，生生不息。这也是在绘画中所追求的比黑白、浓淡等更高级的对比。整体画面和谐而空灵，有一种流荡的生命气息，进一步开拓了画面的意境。

 

《银羽凌风》画稿

 

由《银羽凌风》延伸出的话题

 

其实画家这个职业非常普通

 

　　在大家眼中，画家可能是一个很特别的职业，其实画家这个职业非常普通，和农民种地、作家写作、厨师并无二致，甚至非常辛苦。我们从生活中、自然中寻找素材，加工为自己的作品，如铁匠将铁矿打造成各种器具一样，区别只在于我们的作品更注重美的体现，而铁匠打造器具更注重实用。

 

　　《三国演义》《说岳全传》等各种各样的连环画伴随了我的童年，它们使我对绘画产生了浓厚的兴趣。后来只要哪里有画展，我都会去参观，每次参观完画展后，都会被艺术家创作的作品所吸引。再后来，我当过工人，又经过商，虽然自己的事业做得还不错，但总感觉心里少了些东西，最后我在1999年彻底脱离了商界，开始专心学习绘画，那年我刚好30岁。

 

　　我的启蒙老师，是成都画院著名工笔画家江溶先生。江老师的作品风度雅静，善于将意象与笔墨的审美性完美地结合，跟江老师学画，让我掌握了绘画的基本功，这为我以后的创作打下了极为坚实的造型基础。2004年我又拜著名工笔画家王申勇为师，跟王申勇老师学画差不多有一年时间，时间看似很短，但却让我的绘画作品有了自己的语言风格。2005 年，我的作品先后获得“纪念抗日战争胜利60周年全国中国画展”银奖、入选“第十六届国际造型艺术美术家代表大会 ？ 美术特展”和“2005金陵百家全国中国画展”。8年后，我来到北京画院跟随莫晓松老师学习，莫老师是当代工笔花鸟里一位绕不开的画家，也是对我影响最深的一位老师。莫老师在传统工笔花鸟画如何在当代更好地延续和创新发展方面，给我做了很好的示范。

 

不忘来时的路

 

　　2014年进入北京画院前，我当过工人，做过生意，后来一直都是职业画家。看到北京画院公开招聘，我报名之后经过了北京画院的评审，很荣幸成为一名北京画院专业画家。除了画画，我平时喜欢去逛逛博物馆、古玩市场，或者是去旧书店淘书，对中国传统文化的学习和认识都潜移默化地影响着我的审美。

 

　　刚才已经谈到了我的学习经历，我认为，初心就是踏上绘画这条道路时的心愿，是尽全力渴望抵达的目标，是走得再远也不忘来时的路。坚守和传承传统文化的根脉，这是北京画院的初心，而我的初心就是为了将美留在笔下，在从黄荃、徐熙、林椿、李嵩到林良、吕纪，再到近代于非闇、陈之佛、田世光等艺术巨匠创造出的道路上，添上自己微不足道的一砖一瓦。能够在工笔花鸟画延续与创新的进程中能留下一点点自己的痕迹，这便是我的初心。

 

师徒相授，薪火相传

 

　　我学画的历程就是师父带徒弟的模式，从刚开始学画，便师从江溶、王申勇老师，后来是北京画院2013届莫晓松工作室的学员，我现在好多同事都是在北京画院这种“师父带徒弟”的教学模式中走出来的，所以对北京画院这种教学方式感触很深，这种教学方式承接了中国画的传统，使老师与学生的交流更加透彻，让学生更好地了解老师，老师更好地了解学生，老师可以因材施教，更好地去引导学生，学生也能够在老师身上学到更多的东西。其实不局限于绘画的教学，老师和学生在生活上也有很多东西可以交流，我和我的每一个学生都是生活中的好朋友，课下关系都很好。

 

　　师徒相授，薪火相传，这其实就是对中国画最好的传承。当今学院教育很多在推行导师工作室等，其实就是对中国画教学传统的一种延续。

 

不考虑大众还是小众

 

　　很多人以为大众就是俗，小众就是雅，其实不然，综观历史，凡是称得上经典的作品， 不论是哪种门类的，文学、音乐、书画、建筑等，即使在当时的社会情境下不被世人所理解、所接受，也会因为作品经得起时间的雕琢，历久弥新。我在绘画创作中不考虑大众还是小众，还是沉潜下来，踏踏实实地画画，安安静静地做学问，静守本真，作品自然是能够留得住的，也是能够被接受的。

 

源于生活而高于生活

 

　　关于艺术和文化、自然、生活的关系，我想到读画论时看到董其昌《画禅室随笔》中的一段话：“画家六法，一气韵生动。气韵不可学，此生而知之，自有天授，然亦有学得处。读万卷书， 行万里路， 胸中脱去尘浊， 自然丘壑内营， 成立鄞鄂， 随手写来， 皆为山水传神。”这段话其实就很好地说明了它们之间的关系。正如我们常说的“艺术来源于生活而高于生活”，我们从生活中取材，以自己的人生经历以及文化修养融入素材，创造出自己独特的艺术。

 

以一种诗意的情怀再现天地自然之美

 

　　写意性的发挥是工笔花鸟画创作的本质要求，是很难达到的一种高度，宋人花鸟“尚 意”、元人花鸟“尚趣”，其实质都是对工笔花鸟画写意性的极好表达。

 

　　清人恽南田曾言：“画至神妙处，必有静气。盖扫尽纵横馀习，无斧凿痕，方于纸墨间，静气凝结。”而这种工笔花鸟画的静气在当今画坛很是难得，我还是想通过绘画表现一种平和、华美的静净之境，以一种诗意的情怀再现天地自然之美。

 

风格的形成与一个画家的成长、学习经历相关

 

　　近期比较满意的画是前年完成的巨幅工笔花鸟画《雨林清霁》，外界评价也比较高，蓬勃旺盛的雨林中，我画了12只孔雀，表现了一种完整的自然生态，开拓了工笔花鸟画的表现方式，王明明院长也给予了正面的评价，并且亲自在上面题名。

 

　　在中国传统的书论画论中并没有“风格”的概念，而是用“格”或者“品”来品评作品。站在现代人的角度来说，风格的形成与一个画家的成长、学习经历相关，在包括生活环境的综合性影响下，其作品在造型、立意、设色、线条、布局、技法、造境等方面展现出个人审美体系。

 

写其生意

 

　　工笔花鸟画的写生与现在人所说的西方的写生观念不同，其实是说“写其生意”。写生是花鸟画创作很重要的一个途径，是通过师法造化，然后表达出对自然的一种感受，花草借人的思维及艺术处理而显神韵，人借助物象而再现自己，这样的写生品位就高。

 

　　而工笔花鸟画的创作是画者在对“物理”与“画理”高度把握的基础上所进行的主观认识与感受的抒发，是由个人审美观而产生的艺术创造，它是画家各方面综合修养的一种体现。

 

　　当代画家面对传统，关键是取法的问题，取法乎上，仅得乎中，学习传统便是站在了巨人的肩膀上。比如故宫“万紫千红”展览，我去看了好多次，里面的宋画小品都很经典，是一座我们后人很难超越的高峰，每一次去都能从中咂摸出很多的滋味。我认为当代画家应该思考如何更好地去面对传统。对待“中”和“西”的问题，王明明院长曾经一针见血地指出，这个问题的实质就是“体”与“用”的问题。20世纪有大成就的中国画画家，包括很多油画大家，他们坚持的一直是“中学为体、西学为用”，这个是根本，不会颠倒。

 

艺术修养是关键

 

　　绘画创作本身就是一件很艰难的事，对于一个画家来说，想取得突破的时候，就是最艰难的时刻，我这几年一直在探索工笔花鸟画写意性的发挥，这是一个很难达到的高度，我一直在做。

 

　　技可进乎道，这里面一个核心的问题，就是只有技术达到了一定的高度，才可能近乎道。比如宋人李公麟的《五马图》，技术达到了很高的高度，扎实的白描功夫，光是单纯用线，就能画出骨肉、毛发、缰绳等不同材料的质感，使人感觉到人与马鲜活的生命气息，达到了中国画极高的艺术境界，和同时期西方文艺复兴时期的大师相比毫不逊色。

 

　　一个画家除精研传统、细微观察外，具体表现上还要靠扎实的笔头功夫，这里面就包括用线、设色等一系列技法，也就是表现能力强了，才能更好地表现主观意趣与情感。

 

　　我感觉陆俨少老先生提出的“四分读书，三分写字，三分画画”就非常好，因为绘画作品最终的加工，是用生活阅历去加工，是靠画家的审美修养去加工，是发现美和再现美的过程，当然，在这中间，作者的艺术修养是关键，修养高，意境就深远，修养差，作品就直白。不说别的，纵观近现代美术史，一个能留得住的画家，他首先是能够踏实做学问的。