北京画院是新中国成立最早、规模最大的专业画院，一直致力于艺术人才的培养。历经几代人薪火相传，依托雄厚的画家资源，以画家工作室为主，建立了独特的师徒相授的教学模式。多年来，北京画院研修班为全国各地培养了众多优秀的艺术人才。

 

      2024年，为了进一步推动艺术教育的普及与发展、培养更多艺术人才，北京画院开始以直播的形式推出了《北京画院精品艺术课》。该课程吸引了众多艺术爱好者的广泛关注与积极参与，提升了艺术教育的普惠性和社会影响力。为了方便更多人学习与回顾课程内容，我们将陆续以直播回放和图文结合的方式推送精品课程回顾，进一步深化教学内容，让您对教学内容有更加直观深入的了解。

 

      本期让我们一起回顾艺术家韩斌老师的课程内容。

 

艺术家 韩斌

 

       中国画学习是一个持续循环的过程，涉及临摹、写生和创作三个阶段，它们相互促进、不可分割。在这三个阶段中，写生尤其关键。写生不仅是艺术家直接从自然中获取灵感和素材的重要途径，也是提升观察力和表现力的有效手段。

 

      写生作品本身就是一种艺术创作，记录了艺术家与自然对话的瞬间，反映了艺术家的情感和思想。因此，写生不仅是素材的积累，也是艺术创作的重要组成部分。在写生过程中，需要敏锐的观察力，要从繁杂的自然景物中提炼出艺术形象。这不仅要求艺术家要具备坚实的绘画技巧，还要对自然事物有深刻的理解和感受。

 

      写生是要写其“生意”，要捕捉大自然中旺盛的生命力与活力，体现出写生的现场感。这就要求艺术家在写生时不仅要关注景物的外在形态，更要捕捉其内在的精神和气质，从而在画面上呈现出一种生动、鲜活的效果。

 

      韩斌工作室的这堂艺术课程，专注于意笔花卉写生，深入探讨了写生的艺术价值和其在艺术创作中的重要性。

 

      视频：直播回放链接

 

    【师生对谈内容】

 

      学生：初到一个地方写生时，一般都会先感受，请您谈谈写生中感受的重要性？

 

      韩斌：画画最终是一种气息的流露和表达。这种气息我认为源自于画家对大自然的感受。如，在描绘春天的景物时，画家捕捉并传达了春风的温暖和舒适，无论是画牡丹花还是紫藤花，都不会带有肃杀之气。相反，如果画家描绘的是枯树寒鸦，那么作品自然不散发出春风和煦的感觉。若我们没有亲自在大自然中体验这些感受，就无法在画面上真实地传达这些情感，也就无法感动自己，也感动不了他人。

 

      感受实际上是一种经验的积累。我刚开始学画的时候，看到山上的石头、大树等，会立刻联想到谁画过类似的物象，他们是如何处理的，这个过程是自然而然的。如果你真心喜欢绘画，全身心的投入，很快就能找到感觉。

 

      

韩斌 《山空月明》175×120cm

 

      学生：当我们走进大自然，面对蜂拥而至的动植物，应该如何选择适合写生的景物？在落笔前的观察阶段，应该侧重哪些方面？

 

      韩斌：如果把写生当做一幅完整的创作，就必须多方面考虑。在面对众多植物时，我们可能会感到眼花缭乱，但正如古语所说：“弱水三千，只取一瓢饮”、“赏心只有两三枝”。必须选择最能感动你的那个瞬间，无论是一个造型，还是一个姿态，需要先有感动，再去静下心来寻找具体的一些动人的细节。我们要善于从众多复杂的植物、叶片、枝条中，梳理出适合你画面需求的元素，这一点很重要，是综合修养的一种呈现。

 

       如，此次写生课，我选择了这组芭蕉作为绘画对象，是因为它们之间存在对比。两颗芭蕉中，较小的那颗尚未完全展开，长得比较直，而较大的那颗则姿态多      变，带有一种憨态可掬的感觉，颇具趣味，自然带出一种老与嫩、正与斜、疏与密的对比。

 

       我们要在众多的形象中找到这种对比，这是我们构建画面的一个主要因素。在中国画中，特别是在写意花鸟画中，这种对比是反复出现的。

 

韩斌 《江风秋渚》34×34cm

 

       学生：笔墨表现在写生中也非常重要，并不是信笔涂鸦，在笔墨表现方面应该注意哪些方面？
 

       韩斌：笔墨需要传达出画面中植物的生命力。用笔切忌生硬、死板，而应该生动活泼，追求一种灵动和自然的感觉。我们要根据不同的物象灵活用笔，捕捉并表现它们不同的质感。由于写生时有实际的参照物，可以运用各种手段来寻找和表现这些质感。这样的实践不仅能够帮助我们更准确地捕捉自然界的细节，而且能够在未来的创作中有的放矢。
 

       写生开始时，我们需要先用淡墨勾勒出画面大致的走势。在这个阶段，我们不必过分关注细节，而要确定整体的布局。接下来，要控制好墨色的深浅和笔中水分的多少。在大的势确定之后，我们便可以开始描绘细节。如，在老枝上，我们可以表现一些纹理和细节，体现苍老感等。
 

       此外，要注意用笔的节奏感，通过节奏的调节实现墨色的变化。通过调整运笔的速度和力度，呈现虚实变化。如，当需要表现虚的效果时，可以加快笔速，让墨迹显得更为轻盈和模糊；而当需要表现实的效果时，可以放慢笔速，使墨迹更加浓重和清晰等。
 

韩斌 《水月两朦胧》120×240cm

 

      学生：写生并不是照搬现实物象，在写生的过程中应该如何对实际物象进行取舍？如何在纷杂的物象中提炼线条，经营位置和造型？

      韩斌：这还是要注意节奏变化、疏密变化以及结构的变化等。我们应该抓住整体的大局，而不是过分拘泥于细节，不能完全跟着植物实际的长势来画。主观与客观的结合在艺术创作中很重要，不能完全被客观事物所左右，但同时也不能完全脱离客观现实，忽视现场感。这种现场感和气息是作品生动性和真实性的关键。
 

韩斌 《水自飘零花自流》170×248cm

 

      学生：您刚才提到了现场感，写生的现场感与创作中的现场感是否不同？创作需要弱化这种现场感吗？

 

      韩斌：两者的现场感是有所不同，但创作的时候并不是要弱化现场感。如，写生时，我们描绘两片叶子可以利用墨色的干湿对比来表现它们的差异，这种对比贯穿于整个写生之中，需要我们不断地经营位置，以实现最佳的视觉效果。

      写生时，我们可能会发现一些平时创作中很难想到的造型和姿态。这些意料之外的姿态非常有趣。我们应该抓住这些意料之外的感觉和形态，并将它们融入到我们的日常创作中。这种从写生中汲取的灵感和经验将极大地丰富我们的创作，可以避免出现画谱气、避免过于概念化。
 

韩斌 《香山秋韵》180×250cm

 

      学生：在您的写生作品中会有一些有趣的小细节，在细节的处理和画面节奏的把控中，还是以主观为主吗？

      韩斌：我有一个小习惯，在创作时，我会特别关注那些最能吸引人眼球的部分，力求将这些地方描绘得更准确、更细腻一些，甚至可以拘谨一些。那些我认为不太重要的地方，我会选择性地简化处理，一带而过。这样画面其实就具备了松与紧的对比，最后可以回到工作室在最后做一下调整。

      还有一种素材收集式的写生，这种方法常被老一辈的画家所采用。他们将写生视为收集素材的过程，有时候只画某个局部，如画一片花瓣或花蕊，会在旁边详细标注所观察到的的颜色和形态。如“花蕊用白粉加藤黄”之类，并说明如何点染。这种方法强调的是素材的收集和记录，也是重要的写生手段。

韩斌 《仰曜朝霞》170×248cm

 

      学生：您一般会带着问题去写生吗？
 

      韩斌：是要带着问题去写生的，会有侧重要解决的问题。如今年上半年，我特别想解决老树干的变化，于是我有意识地画了很多老树杆的局部，包括铅笔速写。这些局部在创作的时候可以直接拿来使用。很多时候，我是直接将写生当做小作品在创作。
 

韩斌 《野山风露》

 

      学生：您觉得我们现在应该带着问题去写生，还是以锻炼为主？

      韩斌：我觉得这两种方式都要有，它们之间存在着一种相互论证的关系，并且是相辅相成的。在写生时，我既要带着问题去探索，也要有意识地锻炼自己，能否在写生过程中完成一幅完整的写生创作作品。把写生当成创作，这是一个更难的挑战。

韩斌 《秋暮来禽》

 

      学生：您在前面谈到了，在写生的时候主客观要结合。我们应该如何平衡这种主客观的关系？

      韩斌：我觉得个人的日常积累很重要。我们需要对中国画的造境的方式和和画面构图的方式能驾轻就熟，比如阴阳、曲直、正斜、粗细、疏密等对比。当你面对实景的时候，才能有的放矢的取舍。这是一种能力的体现。

      组织画面就是变化和对比。至于如何组合，那是千变万化。在大自然中，这样的组合无处不在，关键在于如何去发现和捕捉。只有理解了这些基本规律，才能找到它们。

      有时候，即使看了好多东西都没有找感觉，只要坐上十几分钟，自然就会组合了。从哪里取一个枝干，从哪里取一片叶子，从哪里找一个动物，然后将它们组合在一起，就是一件写生的作品。这需要长期的训练，与对中国画结构规律的掌握是分不开的。虽然听起来简单，但实际操作确实有难度，每个人的处理方式也都是不同的。

韩斌 《苍筠静锁》37.5×37.5cm

 

       学生：中国画注重意境的表现，在写生时您一般是先立意，还是在写生过程中立意？

       韩斌：我觉得还是要先立意，要成竹在胸。在写生过程中根据实际情况进行调整，使之逐渐清晰和明确，最后整体的造境和最初的立意相比，通常不会有太大的变化。当我们置身于山涧之中，悬崖上倒挂的野草野花，旁边是溪流和杂石，石头上生长着菖蒲。如果在这样的场景中写生，不可能画出温室中花卉的
感觉。同样地，在温室里寻找山野间那种恣意生长的花卉，也是不切实际的。

       直接表现眼前所见物象，是最直观的，也是最正确的。这是写生层面。至于创作层面，我认为随着时间的积累，你可以将自己内心的感受和想法融入到面对现实的情景物之中，创作出真正反映你个人心性的作品。
 

韩斌 《摇飏风轻之三》32.5×65.5cm

 

      学生：有些人临摹的很好，但写生的时候却画不出来，在临摹与写生转换中如何将学到的笔墨语言转换到写生中？

      韩斌：这个问题经常会被问到。写意花鸟画笔法讲究书写性，变化丰富。如吴昌硕、陈淳、徐渭等的笔法差异都很大。大家学习的时候一般在某一阶段会有一个偏向，比如说这一阶段是以吴门画派陈淳为主，那么就要思考用陈淳的笔墨语言来塑造形象。最怕的是写生的时候用的方法把你对陈淳的学习所得都统统丢掉了，不能做到相互印证。如何运用你学到的笔墨去适应所观察的物象，学到的笔法如何转化到写生中，通过写生来相互印证笔墨和实体的关系，这非常重要。

 

      当你面对实物时，要学会思考古人是如何组织画面的，是怎么取舍、概括、提炼物象的，体会古人是如何形成自己的一套独特的造型方式的。通过这种对实体和笔墨程式的体会，经过一段时间的实践，你会开始理解他为何要将造型处理成那样。在相互印证的过程中，一旦你明白了这一点，就意味着你会有极大进步和突破。
 

韩斌 《玫瑰香》34×64cm

 

       学生：您曾在随笔中写道：“艺术首先是一种良心，一种真。”这一理念在您的花鸟画写生中是如何体现的？

 

       韩斌：这应该是我上中学的时候做到读书笔记，好像是普法费尔的一句话。我觉得艺术家是要有良心，是真诚的、善良的。当你面对一个事物时，如果自己都不能被感动，那么你的作品也难以触动他人，画作本身是虚假的。有时我画到一半，会因为感觉状态不真实或良心不安而无法继续，觉得作品过于敷衍，连自己都无法接受。不得不停下来，等到有感觉、状态对了再去画。在那种对状态下，才能够迅速进入一种忘我的境界，达到真性情的流露，画起来也会更加流畅自然。

韩斌 《冰雪风骨》43.5×56cm

 

韩斌 《文心兰》20×31cm