北京画院是新中国成立最早、规模最大的专业画院，一直致力于艺术人才的培养。历经几代人薪火相传，依托雄厚的画家资源，以画家工作室为主，建立了独特的师徒相授的教学模式。多年来，北京画院研修班为全国各地培养了众多优秀的艺术人才。

 

      2024年，为了进一步推动艺术教育的普及与发展、培养更多艺术人才，北京画院开始以直播的形式推出了《北京画院精品艺术课》。该课程吸引了众多艺术爱好者的广泛关注与积极参与，提升了艺术教育的普惠性和社会影响力。为了方便更多人学习与回顾课程内容，我们将陆续以直播回放和图文结合的方式推送精品课程回顾，进一步深化教学内容，让您对教学内容有更加直观深入的了解。

 

      本期让我们一起回顾艺术家乐祥海老师的课程内容。

 

艺术家 乐祥海

 

      在科技迅猛发展的当下，电脑制作、图像制作等技术手段大量入中国美术创作领域，早些年，这类作品偶尔出现，人们会觉得新奇。但随着技术的普及，这类作品泛滥，导致艺术展览呈现出扁平化趋势，作品的识别度急剧下降。在这样的大背景下，我们不禁要问：中国画发展至今，究竟处于何种阶段？当下的中国画创作，是否正逐渐远离传统？在教育教学过程中，传统是否正面临缺失的困境 ？

 

      面对这些关乎中国画传承与发展的重要问题，回望传统对于我们学习艺术，尤其是中国画，有着深远意义。

 

      北京画院这堂课将着重探讨两个问题：第一，如何认识传统？第二，如何学习传统？北京画院画家乐祥海将通过现场创作，为大家讲解学习传统的相关要点，并分享个人的经验与学习方法。

 

      前人在漫长的艺术探索中，为我们总结了许多宝贵的学习方法。而我们当下的关键任务是如何吸收这些经验，并巧妙地运用到自己的画作中，从而形成独具特色的个人风格。这不仅是我们与前人的关键区别，更是绘画创作的核心意义所在。

 

     同时，在学习传统的过程中，我们切勿因专注于某一特定流派或技法，而丢失了自我。因为一幅真正优秀的作品，能够使其流传千古、熠熠生辉的，正是每个人独特的个性与心性。我们学习任何传统技法，根本目的都是为了更好地表达自己的个性与心性。而表达的精准度与高度，恰恰体现了我们在前人基础上的发展与风格转变，这也正是我们学习传统的重要价值之一。

 

     视频：直播回放链接

 

    【师生对谈内容】
 

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      学生：您擅长人物，也画花鸟，为什么会在这堂课上选择山水画进行创作示范？

 

      乐祥海：我最初专注于人物画创作，人物画对于人物形象与动态的刻画有着严格的要求，即便是写意人物画，若造型不够精准，画面就会显得不协调，这在一定程度上限制了人物画家的“自由”。因此，我尝试从花鸟画与山水画中汲取技法，将其运用到人物画创作中，于是便开始了山水画的创作。

不同画种之间的技法是可以相互融合、相互借鉴的。在中国画的技法体系里，山水画的贡献尤为突出，如各种皴法、墨法等基本技法大多源自山水画。前人在总结或开创一种墨法时，主要是从自然中汲取灵感，经过提炼与实践，形成了一套成熟的模式，并传承至今。这些技法为后人学习传统提供了宝贵的经验，使我们在艺术探索的道路上少走了许多弯路。

 

乐祥海 《树杪百重泉》

300cm×148cm 纸本设色 2021年
 

      学生：在构图方面，我们应该如何去学习传统和借鉴传统呢？
 

     乐祥海：我们回望传统绘画可以发现，在创作过程中法无定法，尤其在构图方面，并无严苛的要求。在山水画创作中，有高远法、平远法、深远法这三种常见的构图方式。高远法能够较为容易地表现出山体的壮阔之感。平远法则视野开阔，类似于摄影中的大广角，使画面呈现出全景式的效果。深远法在表现山体起伏时，画面便显得深邃悠远，更加丰富。

 

      在创作一幅作品时，我们首先要在脑海中构思整体的构图。以绘制山峰为例，先勾勒出整个山势的轮廓，之后在创作过程中逐步完善。山势勾勒完成后，还需对想要表达的细节进行规划，再来勾勒树木、屋舍等，点染一些细节，让画面更加完整、生动。

 

      此外，我们经常提到一个词叫“计白当黑”。画面中留白的部分，反而可以作为一个内容本身，成为画面组成的重要部分，通过留白让人产生丰富的遐想，感受中国画的玄妙意境。
 

乐祥海 《冬山图》

34cm×46cm 纸本设色 2025年

乐祥海 《叶村》

34cm×46cm 纸本水墨 2025年
 

      学生：请分享一些您在学习传统笔墨方面的经验，比如您是如何将技法、构图和意境与古人和传统相结合的，又是如何学习传统的？

      乐祥海：在学习传统的过程中，如何进行取舍是我们面临的主要问题。我所画的人物画属于大写意风格，这种画风强调用书写性的线条来塑造人物形象。当我的创作视野拓展到山水画领域时，依然追寻那些最初吸引我的写意性元素，每一笔都应带有书写的韵味。如徐渭、八大山人、黄宾虹等大师的作品，尤其是黄宾虹的画，其独特的美感令我深感钦佩。黄宾虹不仅在形式上有所创新，更将中国文化中的诸多哲学思想巧妙地融入笔墨之中，使作品内涵丰富、意境深远。

 

      在整个创作过程中，我们还需要时刻注意构图的把控，确保画面的整体协调，这需要在日常的训练中不断积累，对前人的经验总结提炼。中国画的意境与诗意源于中国文化中蕴含的写意精神，作画并非单纯地描绘物体本身，而是借助山体等元素展现画家自身的修养与心境，这是中国画独特的地方。

 

 乐祥海 《残云收翠岭》

34cm×68cm 纸本水墨 2023年
 

      学生：在创作山水画的过程中，您会刻意去联想传统，与古人建立联系吗？

 

      乐祥海：我们提起画笔，其实就是一种表达，不需要刻意思考每一笔的出处。习古过程，是在日常训练中逐渐解决自己的问题。我认为画家最佳的创作状态是画得舒适、表达畅快，这样得作品才会显得自然、平实。如果刻意追求古人风格，可能会使画面脱离自我。写意画中，偶然性和不可捉摸之处往往是最精彩的，也是写意画的一个魅力所在。灵感来临时及时捕捉，随时调整，反而能创作出精彩的作品。

 

      学习古人有一个有效的捷径。当我们面对传统经典作品，若对某位画家的作品情有独钟、爱不释手，说明我们的心性与该画家相契合，这个时候从其身上汲取的养分对我们个人极为有效。与传统的连接，不应仅停留在外在图式上，而应将前人的成果消化吸收，转化为自己的表达。这样才是有效的学习，才能真正将传统精髓融入自身创作。

 

乐祥海 《金龙山》

46cm×34cm 纸本设色 2025年
 

      学生：尽管技法对画家很重要，但保持个性、追随个人喜好同样关键。在传统学习的过程中，个性和喜好为何占据如此重要的地位呢？

      乐祥海：我们谈及艺术家时，常会提到灵感或天赋。这些因素难以量化或具体描述，恰恰体现了每位画家的独特个性。每个人的性格各异，或粗犷、或细腻、或内敛……这种天性成为每位画家画作中最打动人心的部分，也是最个性、最自我的东西。如果每个人都去追求共性，艺术将逝去多样性。因此，在中国画教学中，尤其在学院教育阶段，在夯实基本功的基础上，应保留个性与本真，因材施教，依据学生自身特点进行针对性教学。

 

      同时，技法本身就是“个性”的，他是每位画家创造的独一无二的“言说方式”，也是作品的“内容”，明白这一点就清楚我们在学习的过程中如何面对前人的技法了，当学而变，变而创。

 

      如今，新兴科技如AI为画家带来诸多便利。借助大数据，AI拓展了画家的视野，提供了丰富的创作资源。然而，过度依赖此类技术会削弱画家的手感，而画面中最生动的部分，恰恰源于细腻的笔墨所传达的画家追求与情趣。若仅复制机器生成的图像，画家的主观性将被削弱，

 

      我们有时候也应该反思，想想宋代画家在没有摄影技术辅助的情况下，凭借目识心记观察生活中的细节，照样能够写真传神。齐白石画虾极具写意性，与真实虾存在差异，是对虾动势与形态的提炼。在运用现代科技时，切忌以牺牲自我为代价，要坚守自我风格。若能借助科技手段开阔眼界，吸收并消化相关元素，再依传统表达程式创作，这对画家是有帮助的。

 

乐祥海 《风雪乱山深》

46cm×34cm 纸本设色 2025年
 

      学生：您的作品传递出一种自由和洒脱的感觉，在学习传统的同时，又有着独属于您个人的书写性和情感表达。您在学习传统的过程中是如何结合自己个性和兴趣，找到自己的位置，并创作出具有自己风格的作品的？

 

     乐祥海：这与我的个性有关。我生长在农村，童年时与伙伴们无拘无束地玩耍，这种自由的环境塑造了我的个性。那时，我们经常有机会接触到小人书，便在上面勾画自己感兴趣的场景。如今回想起来，这一切都充满了偶然性。

 

     上学时，我主攻设计专业，虽有一定美术基础训练，但与国画创作仍有较大差距。然而，小时候对连环画的喜爱一直深植于心。在从事专业创作时，我依然采用夸张变形、讲故事的方式来“设计”作品。当我进入中国画创作时，这种个性依旧得以保留。在后续深入学习中国画传统时，我有意识地去挑选那些在表达上较为自由的传统画家作为学习对象。

 

     我最初被黄宾虹作品中所呈现出的无拘无束的风格所吸引，这仅仅是基于感性层面的认知。然而，随着对黄宾虹艺术的深入研究，逐渐意识到他并非如表面所见那般简单自由随性。黄宾虹最为珍贵的艺术贡献在于其作品所蕴含的“内美”，这种美超越了画面本身，向外延伸，为观者提供了联想的空间。尽管观画时我们的心绪常被画面所引导，但这种向外的延伸实则深藏于画作之中。黄宾虹的“内美”思想不仅融入了中国文化元素，同时强调画理的重要性，追求传统艺术表达的深度与层次感。

 

     在学习传统的时候，古人的精华就在那里，若仅将传统技法生硬地平移至自己的作品中，无异于武术中的花架子，缺乏实质内涵。黄宾虹从中国画传统入手，深入研习诸家，汲取各家之长，但这种汲取是经过自我消化的，再依据个人情感进行表达，因此他的作品呈现出了独特的黄宾虹风格，自然且不刻意。

 

     传统为我们提供了方法与规律。在探寻这些规律的过程中，画家会从中获得诸多启发，思考自身兴趣、个性与长处，以及如何充分表达这些优势。通过反复回归传统，寻找感兴趣的点，就可以提高学习效果。

 

乐祥海 《玉泉山》

34cm×46cm 纸本设色 2024年

 

乐祥海 《长春园》

34cm×46cm 纸本设色 2024年
 

       学生：您的创作风格和学习传统的方式，是否与您的求学经历有关？

 

      乐祥海：是的。我的求学经历与很多画家有所不同，没有经历过科班式的严格训练。我学中国画很偶然，包括与老师李世南先生的结缘亦是如此。一次偶然的机会，他因出版画册来到我当时所在的公司，我不认识他，也没有在公司。他偶然看到墙上我随意涂鸦的漫画人物，觉得很有感觉，便留下电话，让我去找他，由此我们相识。
 

      李世南先生认为，尽管我的作品在技术上尚显稚嫩，但那种自由漫烂、率性而为的感觉很打动人。他鼓励我继续创作，并告诉我学习时要保留这种天真、无拘无束的本性。李世南先生是在引导我批判性地学习古人。面对古代画家的作品时，需有自己的判断，思考他们的作品对我是否有用。他建议，如果喜欢某位画家的作品，就学习其精彩的部分，不喜欢的部分则不必学。

 

乐祥海 《贝家花园》

34cm×46cm 纸本设色 2024年
 

     学生：请您为我们分享一下，在学习传统的过程中该如何进行创新，如何平衡创新和继承之间的关系？
 

     乐祥海：多年来，传统与创新是画坛热议的话题。关于中国画的创新，不应刻意将其单独拿出来，视为画家要解决的问题，因为从本质上讲，这并非是个问题。任何作品之所以“新”，归根结底在于创作者个性的彰显。所谓“新”，其实是个体的独特之处，正是他们与众不同的原因，这便是中国画的“新”。切勿陷入一些虚无概念里，盲目追寻新意。若没有自我，找到了所谓的“新”，那也与自己无关联。

 

     回望传统，我们会发现中国画自诞生开始，便始终在创新创变的道路上不断发展。每个时代都有其独特绘画风格出现，中国画里的个性元素永不过时，而个性表达本身就是在创新。画家们身处不同时代，所受时代的影响各异，对时代的反应自然也各不相同，每个人的自我表达，实际上就是一种创新。

 

     当我们回归到个性表达上，所谓的创新便不再是问题。如关良风格的形成，正是其个性表达的体现。因为他对戏曲的浓厚兴趣，舞台上的形象、人物造型、情节等深深烙印于脑海中，他对戏曲演员亮相拍案叫绝。他的水墨人物作品，就像是用笔墨把戏曲舞台上角色亮相表现出来，这是他内在精神的独特呈现，凸显出他与众不同之处，这也是他的“新”。

 

     黄宾虹对传统进行了全面且深入的梳理与研究，一生都在探索中国画南北宗分野后，是否有可能实现南北融合。中国画的所有技法都源于自然，黄宾虹遵循这一规律，探寻技法的形成过程，在此过程中获得诸多启发，丰富了自己的表达手段。他尝试画一些黑、重、浓、密的山石，一遍遍积染，使作品愈发深邃厚重。他的这种表达方式自由、主观、随性，画面富有体积感，无形中解决了中国画发展过程中的一些问题。

 

      我之所以对黄宾虹的作品感兴趣，是因为他的画作中蕴含许多玄妙之处，而且没有受到程式化因素的束缚。通过层层推进，他的画面愈发丰富、耐人寻味。这种基于个性表达的作品，让人常看常新，每次观赏都令人激动。作品中个人元素在作品中呈现得越多，就越值得回味。

 

乐祥海 《山居图》

68cm×34cm 纸本水墨 2023年